Etwas in Ihnen träumt noch

von Michel op den Platz

THEATER REUTLINGEN DIE TONNE, 22.4.2026

 

Annette Müller (Regie, Fassung, Ausstattung) und Ted Gaier (Musik & Sounddesign) im Gespräch mit Michel op den Platz (Dramaturgie).

 

Michel: Wir sitzen zu dritt im Tonne-Foyer und fragen uns: Was lesen und hören wir, wenn wir heute mit Georg Büchner in die Auseinandersetzung gehen?

 

Annette: Mich beeindruckt, dass er changiert zwischen einer hohen Künstlichkeit und einem hochpolitischen Anspruch. Auch in der Art und Weise, wie er sich teilweise an einem vermeintlichen Realismus oder an Formen abgearbeitet hat, die dann doch in seinem Werk – in seinem Kleinwerk, in seinem kurzen Leben – so radikal die Gestalt verändern. Diese Fähigkeit, so wahnsinnig geschickt Dinge zu adaptieren, halte ich für sehr zeitgeistig – und nicht zuletzt auch sehr radikal. Interessanterweise betrachte ich die meisten seiner Werke eher als Fragmente. Und da existiert bei Büchner eben eine deutliche Leerstelle, zumal ja gerade »Woyzeck« wahrhaftig ein Fragment ist. Die heutige Interpretation des Gedankens, dass jemand anderes dein Werk nach deinem Tod in deinem vermeintlichen Sinne oder in deiner vermeintlichen Ästhetik weiterschreibt oder vollendet, wäre die Idee von KI.

 

Ted: Und das ist definitiv modern. Aber Büchners Werk ist im Kern »Material«. Im Brecht’schen Sinne ist es ein Work in Progress: dass es ein Material ist, das man auch neu zusammensetzen kann.

 

Annette: Auch seine schon sehr analytische Sicht wirkt auf mich auf eine seltsame Art und Weise äußerst modern. Ich meine ja, in »Leonce und Lena« schon fast so etwas wie Psychoanalyse-Momente reinzulesen. Dieser Wunsch des Menschen, sich auf den Kopf zu gucken, erinnert mich sehr stark an die Lacan’sche Identitätsbildung im Spiegelstadium. Wie der Psychologe R. D. Laing, der die erkrankende menschliche Psyche immer als Folge von Gesellschaftsverletzungen begreift. Und in dieser Hinsicht finde ich fast visionär, wie Büchner die Menschen betrachtet. Das ist, glaube ich, zu seiner Zeit neu. Zusätzlich zu den gesellschaftlich revolutionären Ideen, die in der Vormärzzeit fruchten.

 

Ted: Und das Gucken von unten! »Woyzeck« ist meines Wissens das erste Stück, das mal in die Psychologie eines »Lower Class«-Typen geht. Davor gab es ja nur Königsdramen, mehr oder weniger: König und Königin.

 

Annette: Er hat ja anscheinend Schiller, Goethe und dieses ganze Klassikzeug komplett gelesen, auch das ist nicht zu übersehen. Er dreht es noch eine Stufe höher, aber er hat einen zeitgenössischen Griff darauf, weil er sehr genau weiß, wie er Sprache benutzt.

 

Ted: Er attackiert das Heilige.

 

Annette: Aber er attackiert es heimlich. Er attackiert es eher hintenrum. Ich muss immer wieder mitdenken, wie jung er war. Ich finde ihn für einen so jungen Menschen erstaunlich geschickt. Ich frage mich bis heute: Wann hat er das alles gelesen? Wann hat er das alles geschrieben? Büchner hat ja nebenher auch noch medizinisch geforscht! Da erkenne ich schon Züge eines Universalgenies. Der scheint sehr fit gewesen zu sein. Und im Denken eben radikal und visionär, nahezu auf allen Ebenen, sowohl formal als auch im Sinne von sozial interessiert: Was sind revolutionäre Elemente in der Gesellschaft? Und – wie gesagt – auch dieser analytische Blick auf die menschliche Psyche. Oft haben Menschen ja ein Inselinteresse. Ich bin manchmal eher schockiert, dass Menschen, die politisch sehr radikal denken, doch oft trennen: dass sie beispielsweise absolut vorwärtsgewandt sind, was Klasse betrifft – und dann aber, wenn es um Gender geht, total reaktionär bleiben. Sodass man sich manchmal fragt: Wie kommt denn das jetzt zustande? Aber Büchner ist auf vielen Arbeitsfeldern extrem progressiv.

 

Ted: Komisch, dass ausgerechnet er so hegemonisiert wurde. Man denke nur an den Georg-Büchner-Preis! Ich frage mich, wieso Büchner eigentlich in der Nachkriegszeit nicht in der DDR viel wichtiger war als im Westen? Ich weiß es nicht. Aber es kommt mir gerade in den Sinn, weil er ja von der linken Perspektive ganz leicht zu vereinnahmen ist, viel leichter als von der bürgerlichen. Wenn man genau liest, ist das ja ein totaler Angriff auf die Klassen- und Ständegesellschaft.

 

Annette: Ich glaube, das liegt an der Sprache. In unserer Arbeit haben wir ja jetzt quasi ein Extrakt. Büchners Texte scheinen mir immer noch zusätzlich stark aufgeladen mit bestimmten anderen Themen.

 

Michel: Annette, wie verbindest du Büchners Text in der Inszenierung mit dem Jetzt?

 

Annette: Ich schaue auf den Kern: was man im Heute vielleicht übersetzen oder auch ganz anders interpretieren kann. Ich behaupte das immer auf zweierlei Ebenen. Die eine Ebene ist: Was steckt wirklich in den Gedanken und in den Vorgängen des Stückes, die die schreibende Person sich überlegt hat? Was lässt sich da rauslesen und ins Heute übersetzen? Und auf der anderen Ebene: Was sagt rein die Sprache und wie kann ich sie heute verstehen? Zum Beispiel: »Ein Drittes gibt es nicht!« Diesen Satz von König Peter hat Büchner bestimmt nicht so gemeint, wie wir ihn hören: in Bezug auf den aktuellen Geschlechterdiskurs. Aber da steht plötzlich etwas für sich, was ich einfach eins zu eins transportiere ins Heute. Und dann meint der Satz etwas anderes, was sich aber trotzdem in der Essenz der Wirkkraft nicht verändert hat. Oder diese Sprachbilder mit den »Gespensterwelten«, die in »Leonce und Lena« immer wieder auftauchen: Das Erstarken von Nationalstaaten, drohende Umbrüche und Unruhen, damals wie heute, auch das kann man im Jetzt eins zu eins wieder rauslesen – dass der Wind heute wieder so weht. Das ist die eigentliche Schnittstelle, an der ich gerne arbeite. Wir sprachen gestern über einen Satz von Marx …

 

Ted: »Die Geschichte wiederholt sich immer als Farce.«

 

Annette: Da würde ich fast sagen: Sie wiederholt sich heute als Farce, aber Büchner hat sie damals schon als Farce geschrieben. Ich halte das für eine äußerst spannende Kreisfigur! Allein der Titel: »Leonce und Lena: Ein Lustspiel.« Ich finde dieses »Lustspiel« so irreführend, denn eigentlich ist es eine Farce. Es versteckt sich hinter diesem Lustspiel und es wiederholt sich als Farce – einer Farce! Das habe ich versucht zu bearbeiten.

 

Ted: Die aktuellsten Momente sind natürlich Zufall, wie »Ein Drittes gibt es nicht!« Oder die Sache mit den Bienen …

 

Annette: … bei Büchner eigentlich eine einfache Befragung, dass er immer mit Naturmotiven spielt.

 

Ted: Und natürlich: »Es ist so heiß!« Ich finde es lustig, dass einem das so zugespielt wird und dass nur das Aussprechen schon total triggert: Klimawandel! Eine Gegenwärtigkeit, aber eher aus Zufall. Trotzdem: bei Schiller hat man das, glaube ich, nicht so schnell. Oder bei Goethe.

 

Annette: Arbeit ist auch so ein Thema: Wir verbinden Arbeit heute immer erst mal mit Arbeiterklasse und Prekariat. Deshalb konnte ich ganz lange nicht greifen, was Büchner am Ende von »Leonce und Lena« wirklich meint mit der »Abschaffung der Arbeit«. Jetzt begreife ich das eher mit Hannah Arendt, dass die Arbeit auch sinnstiftend ist unter der Prämisse: Der Mensch werkelt gerne. Und dass Büchner die Abschaffung von Arbeit demnach auch schon als Dystopie meint, weil das ursächliche Problem von Leonce und Lena ist, dass sie nicht arbeiten müssen. Dass sie in ihrem Leben deswegen mit der Absurdität des Daseins ringen, weil sie sich selbst keine Aufgabe oder Tätigkeit verleihen können, die irgendwie sinnstiftend wäre. Darum geht es eigentlich. Und das wiederum kulminiert heute, weil wir dann natürlich sofort wieder in den KI-Diskurs stolpern. Was passiert denn mit uns, wenn wir die Arbeit abschaffen? Das ist die Gesellschaft, die Valerio am Ende als absolute Dystopie entwirft. Interessant finde ich den Punkt, dass die Menschen, die dann das Geld für sich arbeiten lassen, heute die eigentliche »Upper Class« sind. Die wirklich Superreichen arbeiten ja auch nicht – zumindest nicht im eigentlichen Sinne, sondern das Geld arbeitet für sie oder die Vermögensberatung usw. Sie selbst müssen ja gar nicht mehr arbeiten. Diese Dystopie telefoniert erstaunlicherweise das Jetzt vor.

 

Michel: Wenn wir die Bühne anschauen, wo befinden wir uns denn? Und wen sehen wir da?

 

Annette: Wir befinden uns an einem Unort. Es ist eigentlich ein Ort, der kein Ort ist. Vielleicht ein Ort, der mal ein Ort war. Es könnte auch eine Ruine sein.

 

Ted: Wo man gerne Hip-Hop-Videos dreht.

 

Michel: Für mich ist es eine Art Halde, es ist ein Schotterplatz, es ist auf jeden Fall irgendeine verwundete Erde, wo es keine sichtbare Natur mehr gibt und wo mal irgendetwas war. Aber dieser Ort atmet noch nach. Es gibt noch letzte Überreste von Zivilisation. Andererseits hat dieser Ort vielleicht auch wieder ein letztes utopisches Potenzial, denn auf Ruinen kann man immer wieder etwas Neues aufbauen. Insofern ist er wiederum nicht komplett tot. Etwas Leben herrscht dann noch in Form der vier Gestalten.

 

Ted: »Es gibt noch kalte Getränke!«

 

Annette: Bei mir gibt es immer noch ein Fragment von Hoffnung. Auf der Bühne stehen vier Menschen aus dem Jetzt …

 

Ted: Die Gen-Z.

 

Annette: Ja, es ist die Gen-Z, die auch ein bisschen mit ihren eigenen Vorurteilen kokettiert. Müßiggang sagt man diesen jungen Menschen ja auch heute nach: dass sie nicht mehr so gerne arbeiten. Gleichzeitig sind sie selbst überfordert von all den aktuellen Polykrisen. Da kulminiert ganz viel. Junge Leute im Jetzt, in einer so seltsamen Zeit, in Handlungslosigkeit, in Handlungsstarre. Im Sinne von: Was für eine Zukunft habt ihr für uns vorgesehen? Auf was für eine Zukunft steuert unser Planet zu? Aber auch: Auf was für eine gesellschaftliche Zukunft? Solche ganz seltsamen Streumotive aus dem Jetzt wehen durch die Inszenierung. Es gibt eine Mini-Sequenz, in der sie die Zukunft der Arbeit diskutieren: Was werden wir denn überhaupt mit unserem Leben machen? Es gibt so wenig Angebote. Welcher Job ist zukunftsträchtig? Kriegen wir überhaupt noch Jobs? Kriegen wir überhaupt noch Rente? Dieses sehr sinnentleerte Moment findet statt. Auf der anderen Seite haben sie aber auch diesen weirden Humor, der bereits in Büchners Text durchscheint. Sie haben doch tief in sich noch Träume. Irgendwas in ihnen träumt noch.

 

Michel: Ted, du hast mit deiner Band »Die Goldenen Zitronen« von Fun-Punk bis hin zu New Wave, Free Jazz, Electro und Krautrock schon eine wahnsinnige musikalische Bandbreite bespielt …

 

Ted: Ja, diese Bandbreite klingt ein bisschen unglaubwürdig, wenn man das so liest. Wir hatten ja gerade 40-jähriges Jubiläum. Da haben wir das gesamte Werk als Compilation zusammengeführt. Das klingt dann so, dass man es besser nachvollziehen kann von 1984 bis heute. Da sind fließende Übergänge in der Musik und nicht totale Brüche. Eher dem Bewusstseinsstand folgend und dem sozialen Umfeld, aus dem heraus man sich bewegt. Das erscheint dann zwangsläufig oder logisch. Sonst natürlich überhaupt nicht. Wenn du ganz frühe Songs von uns hörst, kriegst du das nicht zusammen mit dem, was jetzt ist. Aber an Authentizität glaube ich ja sowieso nicht. Wenn ich rückwirkend in die Popmusikgeschichte gehe, finde ich beispielsweise The Who interessanter als Jimi Hendrix: Du zerschlägst die Gitarre mit einer beiläufigen Geste, anstatt dass du als Voodoo-Ritual zelebrierst, wie du sie auch noch anzündest.

 

Michel: Was genau aus diesem vielfältigen »Zitronen«-Repertoire, in dem du schon unterwegs warst, fließt denn in »Leonce und Lena« ein? Und warum docken gerade diese Sounds dann an diese Inszenierung an?

 

Ted: Ich bin ja eigentlich Gitarrist, aber in diesem Kontext interessiert mich Gitarre Spielen gar nicht so sehr. Als Film- und Theatermusiker habe ich seit Längerem eine Praxis, die – runtergebrochen – auf einer Form von Live-Elektronik basiert. Annette hat anfangs gesagt: »Das ist aber ganz schön anstrengende Musik!« Weil ich halt auch anstrengende Musik mache. Ich glaube, ich mache keine entspannte Musik.

 

Annette: Das ist stressig! Du bist einfach stressig! (lacht)

 

Ted: Ich mache jetzt seit 25 Jahren Theatermusik. Manchmal macht man Sounds wie Tapeten oder hilft den Schauspielenden sozusagen, eine Plastizität zu stärken. Aber das halte ich im Zweifelsfall nicht für die interessanteste Herausforderung. Sondern am spannendsten ist es natürlich, wenn man die Musik als Eigenleben behauptet und sie gegen die anderen Aspekte – Bühnenbild, Schauspielform, Kostüm usw. – stellt. Sodass das Gesamte nicht wie aus einem Guss wirkt, sondern die Musik noch etwas hinzufügt, was nicht unbedingt eine Doppelung ist. Vor allem das ist mein eigentlicher Anspruch.